“本之末 杭春晖的艺术实践”广东美术馆开展在错觉中收获不同的视觉体验

《蓝色珍珠-No.7》《确定与不确定的再现》《造型与时间》从近日起至8月23日，“本之末——杭春晖的艺术实践”在广东美术馆开展。

杭春晖作为21世纪中国新一代艺术家群体里的一个非典型人物，其创作的发展轨迹颇有意味。从工笔出发到踏上当代的“列车”，他在时代的步调下做着“东方性的当代探索”，作品里的浮雕、画框、装置，常常让人在“错觉”中收获不同的视觉体验。

在展览开幕式上，美术史家、艺术评论家皮道坚嗓音嘶哑仍坚持为他发声点赞，评价他“有着坚实的传统绘画功底，一步一步地实现了当代的转换，非常之自然”。

那么，从传统到当代，他如何塑造自身的造型语言，让不同画种跨界融合？对此，记者采访了杭春晖。

文广州日报全媒体记者李巧蓉

水墨、雕塑、设计、美术学

都是他创作的底色

20世纪70年代生于安徽的杭春晖，经历在中央美术学院、中国艺术研究院等国内顶尖艺术学府的多年深造以及在谭平、田黎明等诸位先生的指导下，对我国传统艺术和当代艺术的观念与实践发起了深入思考——通过创作反思绘画的边界。

谈及本次展览主题“本之末”的由来，杭春晖在接受广州日报全媒体记者采访时表示，“本之末”是在讨论绘画的来源问题，即绘画的动机和绘画的结果，不是讨论绘画的逻辑，而是讨论本和末之间的模糊的边界，所以中间夹着“之”，其实，绘画的边界这个问题也一直贯穿在创作过程中。

的确，从杭春晖早期工笔作品到最近的材料实验与社会学探求，水墨、雕塑、设计、美术学都成为了他创作的底色，彼此看似隔阂，其实却有着一条脉络清晰的内在线索。“这些年我的创作恰恰是在尝试模糊掉、破坏掉原有的对绘画边界的界定，想提供一种绘画边界的开放性。我的展览包括出版的书籍，都是跟不确定、不分明这些有关。”

杭春晖艺术实践

具有系统性和序列性

创作对于杭春晖而言，是一个不断自我追问的过程。

展览通过四个展厅来进行呈现这一历程，主题分别为：绘画、空间、场域、时间。“杭春晖的艺术实践具有明晰的自觉性、系统性、序列性，每个阶段，每个系列的作品都如其实践体系里的坐标点，体现其渐次推进的存在意义。”本次展览艺术总监、广东美术馆馆长王绍强表示。

“绘画”部分的作品《王的加冕》，就是杭春晖模糊身份与创作边界的起点。画面中除了人物这一载体，还做了一个让人看不出来的浮雕，加上展览现场光线的配合，所有人都以为画面上的浮雕是画出来的。“浅浮雕与绘画形成了非常统一的视觉，很多人都被欺骗了，以为桌面就是绘画的一部分。这让我意识到，模糊绘画与雕塑的视觉边界，无疑是一种有趣的实验。”

之后，他又逐渐把人物去掉，把作品的叙事性去掉，让绘画越来越抽象，于是，在他画面中徒留一张亦真亦假的桌面，和桌面上散落的两三颗珍珠，营造出一种“所见未必为实”的效果，再到后来，珍珠也从画面中消失了，杭春晖开始画画框。用绘画的方式完成原本的物——画框，用反光的玻璃替换了原本的绘画——形式表现，混淆了日常经验，也模糊了绘画与物的边界，构建了一个似是而非的视觉语境。

而在此次展出的于今年新创作的作品中，他更是直接把“画”这个动作去掉了。在系列作品《造型与时间》的创作中，杭春晖向记者描述了这一过程，“在做这个呈起伏状的树脂雕塑时，每叠一层树脂就贴一张彩纸，多层起伏之后，再用刀沿45度一切而成，平面上形成了线条，也就是所谓的"绘画形式"，但切下去之前，作品会成为什么样是未知的。这还是延续了我对于绘画和雕塑边界的讨论，但我把画的动作去掉了。”就像策展人吴洪亮所说：“那些直线、曲线与色彩看似理性甚至刻板，却连着杭春晖颤动的指尖与热切的心灵。”

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